Después de una histórica nominación al GRAMMY®, su reciente incorporación al Blues Hall of Fame® y una trayectoria que lo ha llevado a representar al Ecuador en escenarios y producciones de alcance global, Antonio Vergara presenta RICOCHET, su decimocuarto álbum de estudio y una de las obras más personales y ambiciosas de su carrera.

El lanzamiento llega en un momento decisivo para el artista ecuatoriano, quien durante los últimos meses ha defendido una idea que hoy cobra fuerza a través de este proyecto: la posibilidad de crear música de nivel internacional desde Ecuador.

“En Ecuador existe talento, existe capacidad y es posible desarrollar producciones musicales de alto nivel sin abandonar el país. Con mi equipo estamos haciendo industria musical desde aquí y RICOCHET es una demostración de ello”, ha señalado el músico en diversas entrevistas.

RICOCHET: un viaje musical sobre las huellas que dejan nuestras decisiones

Concebido, producido y desarrollado en AVA Recording Studios, en Ecuador, RICOCHET propone una exploración sonora y emocional alrededor de conceptos como la memoria, las consecuencias de nuestras decisiones, la transformación personal y los rastros invisibles que dejan los acontecimientos que marcan nuestras vidas.

El título del álbum funciona como una metáfora central. Un ricochet es un rebote, un impacto que regresa transformado después de una colisión. A partir de esta idea, Vergara construye una obra donde cada canción se conecta con la siguiente para formar una narrativa que invita a la reflexión.

“Todo aquello que enviamos al mundo encuentra tarde o temprano una forma de regresar”, explica el artista al referirse al concepto que atraviesa el disco.

Canciones que dialogan entre memoria, identidad y transformación

A lo largo del álbum, el oyente se encuentra con composiciones que abordan distintas dimensiones de esa idea central. Desde la intensidad simbólica de Ricochet hasta la mirada introspectiva de La Nieve en el Cristal y la atmósfera inquietante de Gritos, la producción desarrolla un relato donde los ecos del pasado y la construcción de la identidad ocupan un lugar protagónico.

Entre los temas destacados también se encuentra Ya No Hay Cadenas, una canción que profundiza en los procesos de transformación y liberación personal presentes en todo el material discográfico.

La guitarra como voz narrativa del álbum

Musicalmente, RICOCHET encuentra en la guitarra eléctrica y el lap steel guitar sus principales herramientas expresivas. Más allá de acompañar las composiciones, estos instrumentos adquieren un papel narrativo que guía las emociones y la atmósfera de cada canción.

El resultado es una propuesta de rock contemporáneo que combina profundidad conceptual con una identidad sonora cuidadosamente construida.

Un artista ecuatoriano que sigue abriendo camino

Antonio Vergara se ha consolidado como una de las figuras más singulares de la música ecuatoriana contemporánea. Además de su nominación al GRAMMY® como artista principal en la categoría Best Contemporary Blues Album, ha participado como ingeniero de mezcla en producciones nominadas al Latin GRAMMY®.

Su carrera integra creación artística, producción musical, ingeniería de sonido e investigación académica, convirtiéndolo en una referencia dentro de la industria musical nacional.

Su reciente incorporación al Blues Hall of Fame® representa otro hito dentro de una trayectoria construida desde la independencia artística y la convicción de que la música producida en Ecuador puede competir en los más altos escenarios internacionales.

Un álbum que también habla del presente de la música ecuatoriana

Más allá de los reconocimientos obtenidos por su creador, RICOCHET se presenta como una declaración artística y una reafirmación de principios.

El álbum evidencia que desde Ecuador pueden surgir producciones capaces de dialogar con audiencias globales sin renunciar a su identidad. Al mismo tiempo, se convierte en una muestra del crecimiento y la evolución de una industria musical ecuatoriana que continúa generando propuestas con proyección internacional.

Para Vergara, el proyecto también representa la continuidad de una apuesta personal: seguir creando, produciendo y desarrollando nuevas obras desde el país donde comenzó su carrera artística.

Dónde escuchar RICOCHET

RICOCHET ya se encuentra disponible en plataformas digitales

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Hoy, el músico ecuatoriano suma un nuevo hito a su trayectoria: su inclusión oficial en el Blues Hall of Fame®, convirtiéndose en el primer ecuatoriano e iberoamericano en ingresar a este espacio histórico de la música mundial.

La noticia llega después de la histórica nominación de Vergara a los GRAMMY® Awards en la categoría Best Contemporary Blues Album por The Fury, una producción desarrollada íntegramente en Ecuador junto a AVA Recording Studios. Con ese reconocimiento, el artista también se convirtió en el primer ecuatoriano nominado como artista principal al GRAMMY® americano dentro de esta categoría.

La inclusión del artista en el Salón de la Fama del Blues marca un nuevo capítulo dentro de una carrera que, durante los últimos años, ha abierto espacios inéditos para el Ecuador dentro de la industria musical internacional.

Figuras legendarias como B.B. King, Buddy Guy, Muddy Waters, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan forman parte del universo histórico del blues. Ahora, junto a ellos, también aparece el nombre de Antonio Vergara.

“El nombre del Ecuador logró entrar oficialmente en la historia del blues”

En conversación con ECURAICES, Antonio Vergara explicó que este reconocimiento tiene una dimensión mucho más profunda que un logro individual.

“Más allá del reconocimiento personal, siento que este ingreso al Blues Hall of Fame® significa que el nombre del Ecuador logró entrar oficialmente en uno de los espacios más emblemáticos de la historia de la música mundial”, expresó el artista.

Vergara sostiene que uno de los aspectos más importantes de este proceso ha sido demostrar que una carrera con estándares internacionales puede construirse desde Ecuador, sin depender necesariamente de estructuras extranjeras.

“Muchas veces nos hicieron creer que para competir había que irse afuera. Mi historia demuestra exactamente lo contrario”, afirmó.

Para el músico, parte del valor de este recorrido también está en haber demostrado que desde el país se puede construir industria musical con estándares globales y proyección internacional.

Un camino construido desde Ecuador

Antonio Vergara desarrolló gran parte de su trayectoria internacional desde AVA Recording Studios, un estudio ubicado en Guayaquil que lidera junto a Claudia Correa, también nominada a los GRAMMY® y Latin GRAMMY® Awards.

En ese espacio nació The Fury, el álbum que lo llevó a ingresar oficialmente a la historia de los GRAMMY® americanos. El equipo grabó, produjo, mezcló y masterizó el disco completamente en Ecuador.

Todo el proceso se desarrolló de manera independiente, sin apoyo de grandes multinacionales ni estructuras extranjeras.

Para Vergara, este proceso ayudó a cambiar la percepción sobre la capacidad de producción musical existente en el país.

“Ya no estamos hablando únicamente de potencial; estamos hablando de resultados concretos reconocidos por la propia Recording Academy®”

El músico considera que este precedente puede abrir nuevas oportunidades para productores, artistas e ingenieros ecuatorianos. Especialmente para quienes buscan proyectar su trabajo a nivel internacional.

Durante los últimos años, el artista también recibió reconocimientos de instituciones como la Recording Academy®, ASCAP y el Congreso de los Estados Unidos.

Más allá de la música: academia, investigación y creación artística

Además de su carrera musical, Antonio Vergara ha desarrollado una trayectoria académica vinculada a la investigación, la educación superior y la comunicación pública de la ciencia.

El artista posee doctorados y un posdoctorado, además de impartir docencia en programas internacionales de maestría y posdoctorado.

Durante la entrevista, explicó que nunca ha visto la música y la academia como caminos separados.

“Yo no entiendo la música únicamente como entretenimiento. Siempre la he visto también como una herramienta de comunicación profunda, de memoria y de reflexión social”, comentó.

Esa combinación entre arte, pensamiento crítico e investigación ha influido directamente en la construcción conceptual de sus álbumes y en su visión sobre la industria cultural.

Ricochet, el próximo capítulo de su carrera

Actualmente, Antonio Vergara trabaja en Ricochet, su próximo álbum de estudio y uno de los proyectos más ambiciosos de toda su carrera.

Después del impacto internacional de The Fury y su histórica nominación al GRAMMY®, el músico ecuatoriano asegura que esta nueva producción marcará una evolución importante tanto en lo sonoro como en lo conceptual.

Lejos de intentar repetir la fórmula de su disco anterior, Vergara explica que Ricochet nace desde una necesidad de explorar territorios más amplios dentro del rock y blues contemporáneo.

“Ricochet no intenta repetir la fórmula de The Fury. Creo profundamente que un artista debe evolucionar constantemente y desafiarse a sí mismo”.

El álbum abordará temas relacionados con las tensiones humanas, la identidad, las contradicciones internas y el impacto emocional de las decisiones. Según el artista, será un trabajo mucho más intenso, visceral y cinematográfico.

A nivel de producción, el disco también representará una evolución importante. Vergara adelantó que el proyecto apuesta por una construcción sonora más profunda, con nuevas capas atmosféricas y una propuesta emocionalmente más expansiva.

Al igual que sus anteriores producciones, todo el proceso creativo y técnico se desarrolla desde Ecuador junto a AVA Recording Studios, manteniendo la visión independiente que ha caracterizado su carrera internacional.

“Seguimos demostrando que desde aquí se pueden crear producciones con nivel internacional, sin perder identidad y apostando por propuestas artísticas auténticas”, afirmó.

“Los sueños sí pueden construirse desde Ecuador”

Uno de los momentos más personales de la conversación surgió al hablar sobre las nuevas generaciones de músicos ecuatorianos.

Vergara reconoce que durante años existió la percepción de que ciertos espacios internacionales eran imposibles para artistas latinoamericanos independientes. Sin embargo, insiste en que el talento ecuatoriano puede competir globalmente si existe preparación, disciplina y autenticidad.

“No permitan que nadie les haga creer que sus sueños son demasiado grandes por haber nacido en Ecuador”

Y añade:

“El mundo no necesita más imitaciones; necesita voces auténticas”.

Más que una acumulación de reconocimientos, Vergara considera que este proceso representa la construcción de un camino para futuras generaciones de músicos ecuatorianos.

El artista también agradeció a ECURAICES por el espacio y por visibilizar este tipo de historias culturales.

“Quiero agradecer también a ECURAICES por el espacio, por valorar este tipo de procesos culturales y por ayudar a visibilizar historias que contribuyen a fortalecer nuestra identidad artística como país. Los medios culturales cumplen un rol fundamental en la construcción de memoria, identidad y reconocimiento colectivo”.

Con su ingreso al Blues Hall of Fame®, Antonio Vergara no solo suma un nuevo reconocimiento a su trayectoria. También abre un precedente inédito para la música ecuatoriana dentro de uno de los géneros más tradicionales y exigentes de la industria internacional.

Desde Ecuador, su historia empieza a convertirse en una prueba de que el talento local también puede ocupar espacios históricamente reservados para las grandes potencias de la música mundial.

Antonio Vergara conversa con ECURAICES

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Su trayectoria está marcada por la disciplina musical, la constancia discográfica y una conexión cercana con el público. Según su biografía, la orquesta ha superado el centenar de producciones discográficas. Además, ha desarrollado giras internacionales y ha recibido reconocimientos dentro y fuera del Ecuador.

Hablar de Don Medardo y sus Players es también hablar de una forma de entender la fiesta y el baile. Su música ha acompañado a varias generaciones. La agrupación dejó huella con temas como “El Aguacerito”, “Cumbia Chonera” y “Me voy pa’ mi pueblo”. Con el tiempo, logró construir un estilo propio dentro de la música ecuatoriana.

El legado de su fundador

Detrás de Don Medardo y sus Players está la figura de su fundador, el maestro Ángel Medardo Luzuriaga, considerado uno de los precursores de la cumbia andina en el Ecuador. Nacido en Loja el 16 de septiembre de 1937, su formación musical comenzó desde temprana edad, dominando instrumentos como la batería, el violín y la guitarra.

Tras graduarse, continuó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Quito, donde también ejerció la docencia en instituciones como los normales Juan Montalvo y Manuela Cañizares, así como en el Colegio Simón Bolívar. Su carrera musical dio un salto importante al integrarse como violinista en la Orquesta Sinfónica Nacional.

En 1965, lideró el coro de 1500 estudiantes durante los Juegos Bolivarianos realizados en Quito, obteniendo una medalla de oro por su destacada participación. Dos años después, en 1967, decidió fundar Don Medardo y sus Players, dando inicio a una de las trayectorias más importantes de la música tropical ecuatoriana.

A lo largo de su carrera, grabó más de un centenar de discos y realizó giras por países como Colombia, Venezuela, Perú, México, Estados Unidos, España e Italia. Su trabajo fue reconocido con importantes galardones, entre ellos el Congo de Oro en el Carnaval de Barranquilla y el Disco de Oro en Nueva York por el éxito de “El Aguacerito”.

Durante las décadas de los 70, 80 y 90, la orquesta consolidó su presencia con una serie de éxitos que marcaron la música ecuatoriana, entre ellos “El Aguacerito”, “El Aguajal”, “La novia” y “Ladrón de Amor”, entre muchos otros.

En sus últimos años, el maestro se retiró progresivamente de los escenarios debido a problemas de salud, manteniendo siempre su visión sobre la música como una disciplina que requiere dedicación y profesionalismo. Su legado continúa vigente a través de la agrupación que fundó y que hoy sigue llevando su nombre.

De los primeros LP a la consolidación del sonido

Desde sus primeros años, la agrupación dio un paso clave al incursionar en la grabación discográfica. Según su biografía oficial, en sus inicios decidieron registrar sus dos primeros LP. Este hecho marcó el comienzo de una producción constante. Con el tiempo, esto se tradujo en un amplio catálogo dentro de la música tropical ecuatoriana.

Uno de los momentos más importantes en su evolución llegó en 1974. En ese año, Don Medardo incorporó instrumentos de viento a la orquesta. Esta decisión fortaleció su potencia escénica. También permitió consolidar un sonido más robusto, que se convirtió en una de sus principales características.

El reconocimiento a su trayectoria también fue internacional. Entre sus logros destacan el Disco de Oro otorgado por Remo Records en Nueva York por “El Aguacerito”. También recibió el Disco de Platino de Fadisa en Ecuador. A esto se suma el reconocimiento como mejor orquesta extranjera en 1977 por la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York.

Voces y arreglos que marcaron su historia

A lo largo de su trayectoria, Don Medardo y sus Players ha contado con la participación de diversos cantantes que han aportado a la identidad de la orquesta. Entre ellos figuran Kiko Fuentes (Perú), Joe Arroyo (Colombia), Gustavo Velásquez (Ecuador), May González (Colombia), así como los recordados Pepe Reyes y Edgar “Cepillín” Barragán.

A esta lista se suman también nombres como Marcelo Peñaherrera, Fabián Mendoza, Cristian Silverio, Gerardo Espinoza y Erick Ibarra, entre otros, quienes han sido parte del desarrollo artístico de la agrupación a lo largo del tiempo.

En la actualidad, la orquesta cuenta con la voz de Santiago Bajaña como uno de sus principales intérpretes.

El desarrollo musical de la agrupación también ha estado marcado por el trabajo de destacados arreglistas como Andrés de Colbert (Perú) y Enrique Aguilar (Colombia), cuyo aporte fue fundamental en la consolidación del sonido característico de Don Medardo y sus Players.

Tras el fallecimiento de su fundador en 2018, el legado de la orquesta no se detuvo. Actualmente, la agrupación continúa su camino bajo el liderazgo de Mauricio Luzuriaga, manteniendo una propuesta musical que conecta con nuevas generaciones sin perder su esencia.

“Solo Tú”: una canción que nos pone a bailar

Dentro del repertorio de Don Medardo y sus Players, “Solo Tú” ocupa un lugar especial. No es solo una canción popular. Es una pieza que se ha mantenido en el tiempo y sigue siendo reconocida por el público.

Fue grabada en abril de 2003 en los estudios Medarluz, según ha señalado la propia agrupación. Desde entonces, “Solo Tú” ha formado parte de presentaciones en vivo y plataformas digitales, donde continúa sumando reproducciones y nuevos oyentes.

Uno de los aspectos más interesantes del tema es su origen. La versión interpretada por Don Medardo y sus Players es una adaptación del tema “Solo Tu” del grupo italiano Matia Bazar, lanzado en 1977. Sin embargo, la reinterpretación ecuatoriana le dio una identidad propia al incorporar el ritmo tropical y el estilo característico de la orquesta.

Esta fusión permitió que la canción conserve su esencia romántica y, al mismo tiempo, se convierta en una pieza bailable.

Según información compartida por la propia agrupación, “Solo Tú” fue grabada en abril de 2003 en los estudios Medarluz. Los arreglos estuvieron a cargo de Mauricio Luzuriaga Zurita, quien presentó inicialmente una maqueta al maestro Ángel Medardo Luzuriaga.

En un primer momento, el tema no iba a ser incluido en el álbum, ya que este se encontraba completo. Sin embargo, tras trabajar en una versión final junto a Mauricio Flores, la canción fue nuevamente presentada al maestro. Al escucharla terminada, decidió incorporarla de inmediato al álbum número 75.

Con el tiempo, “Solo Tú” se consolidó como un éxito dentro del repertorio de la orquesta, convirtiéndose en un referente y en una propuesta que conectó con nuevas generaciones, manteniendo su vigencia hasta la actualidad.

De Ecuador al mundo

Una de las mayores fortalezas de “Solo Tú” es su capacidad de trascender contextos y geografías. No importa dónde esté un ecuatoriano: es una de esas canciones que siempre se baila.

Su presencia no se limita a fiestas o conciertos. A lo largo de los años, el tema ha acompañado reuniones familiares, celebraciones y eventos dentro y fuera del país, consolidándose como una referencia de la música ecuatoriana.

Incluso en escenarios internacionales, la canción ha demostrado su alcance. Durante la Copa del Mundo de Qatar 2022, circularon en redes sociales varios videos de ecuatorianos que, desde distintos espacios y zonas de encuentro, bailaban “Solo Tú”, evidenciando cómo la música trasciende fronteras y se convierte en un punto de conexión cultural.

“Solo Tú” y el legado de Don Medardo y sus Players

Centrarse en “Solo Tú” es una forma de entender la trayectoria de Don Medardo y sus Players. La canción resume varias claves de su historia: adaptación musical, permanencia y cercanía con el público.

La muerte de Medardo Luzuriaga en 2018 marcó el cierre de una etapa. Sin embargo, no significó el final de la orquesta. Hoy, su legado continúa, manteniendo viva la esencia musical de Don Medardo y sus Players.

“Solo Tú” es una de ellas. No solo por su popularidad, sino porque representa una música que atraviesa generaciones y mantiene su capacidad de conectar con el público.

En ese sentido, Don Medardo y sus Players ha construido una trayectoria sólida dentro de la música ecuatoriana. Además, ha desarrollado un repertorio que sigue encontrando espacio en el presente.

Desde Huellas Musicales de ECURAICES reconocemos y valoramos la trayectoria de Don Medardo y sus Players, así como su aporte a la música ecuatoriana.

Reportaje Huellas Musicales

Haz karaoke y baila con Don Medardo y sus Players

Solo tu, bajo el cielo
Me recuerdas que la vida es solo un vuelo
Que más da el mundo entero
Si el amor es nuestro amigo más sincero
Eres la única razón
Que encontró mi corazón
Solo tu esta mañana
Me das luz para encender un día más

Solo tu frente a frente
Siempre solos
Aunque estemos con la gente
Entre ellos nos movemos
Les hablamos aunque no los entendemos
Nos saludan al pasar
Como el Sol saluda al mar
Solo tu esta tarde
Me das luz para encender un día más

Solo tu a mi lado
Haces bello al temor de mi pasado
Solo tú sabes darme cosas nuevas
Solamente con mirarme
Nunca estuve tan feliz
Como lo estoy junto a ti
Solo tú, noche a noche
Me das luz para encender un día más

La entrada Don Medardo y sus Players: historia, trayectoria y el fenómeno de “Solo Tú” se publicó primero en ECURAICES - La actualidad de Ecuador a un click.

“Dame tu amor” no solo fue un tema popular: fue de esas canciones que terminaron formando parte del paisaje sonoro del país, transmitida en radio, cantada entre amigos y guardada en colecciones familiares durante décadas.

Ficha musical (Huellas Musicales)

• Canción: Dame tu amor
• Grupo: Boddega (Guayaquil, Ecuador)
• Año de lanzamiento: 1973
• Formato original: sencillo en vinilo 7” (45 RPM)
• Sello discográfico: Orion
• Estilo: pop-rock romántico (años 70)

Un clásico nacido en 45 revoluciones: el lanzamiento original

“Dame tu amor” fue publicado originalmente como un sencillo en vinilo de 7 pulgadas (45 RPM), editado en Ecuador en 1973, bajo sello Orion.

El 45 RPM no era un simple “disco pequeño”. Era el corazón del consumo musical popular: giraba a 45 revoluciones por minuto y, en muchos casos, incluía dos temas (lado A y lado B). Tener ese sencillo significaba poder escucharlo una y otra vez… y también era señal de que la canción estaba sonando con fuerza en radios y fiestas.

¿Por qué se llama Boddega (con doble D)?

Detrás del nombre hay una de esas historias que hacen grande a una banda.

Se cuenta que Boddega nació como nombre porque ensayaban en una bodega perteneciente a un amigo cercano del grupo, Carlos Roggiero Rolando, y que escribirlo con doble “DD” fue una forma de diferenciarse, convertirlo en marca y darle personalidad propia.

Ese detalle, aparentemente pequeño, terminó siendo parte del mito musical.

Antes de Boddega: el origen en la escena rock de Guayaquil

La historia de la canción se entiende mejor cuando se mira el camino previo del grupo.

Antes de Boddega existió una etapa de experimentación musical en Guayaquil, vinculada a la psicodelia y al rock de la época. En ese pre-inicio aparece el proyecto Los Hippies, donde participaron músicos que luego formarían parte de Boddega (Miguel Gallardo, Enrique Alín, Homero Gallardo, entre otros). Varios de ellos eran muy jóvenes —incluso adolescentes— cuando empezaron a tocar en agrupaciones rockeras de esos años.

Con el tiempo, el giro fue radical: dejar lo psicodélico y orientarse hacia un estilo más comercial y romántico, sin abandonar el sello de música propia.

La primera huella grande: el debut de 1971 y el golpe de 1972

Se recuerda que Boddega tuvo su primera actuación pública en noviembre de 1971, en un evento para la Academia Naval Almirante Illingworth, señalado por muchos como el inicio oficial del fenómeno.

Luego llegaría un momento clave: en abril de 1972 salió el sencillo “El hombre sin cabeza”, en un lanzamiento discográfico bajo el sello IFESA y bajo la conducción de Efrén Avilés Pino (según se menciona en recuentos históricos de la agrupación). Se dice que el impacto fue inmediato y que el tema ayudó a identificar al grupo en el país.

En esa historia se menciona además un detalle visual que quedó en la memoria: el estilo del guitarrista y compositor Gustavo Pacheco —incluido su look—, asociado al aura del tema.

Ese contexto explica por qué, poco tiempo después, “Dame tu amor” tuvo el terreno perfecto para convertirse en canción inolvidable.

“Dame tu amor”: una canción sencilla… y por eso poderosa

«Dame tu amor» fue interpretada por Gelo Cárdenas, una de las figuras más recordadas del grupo en sus años de mayor brillo.

La canción retrata el romanticismo de época: amor insistente, vulnerable, dicho sin rodeos. Esa sencillez —emocional y frontal— la volvió fácil de cantar, fácil de recordar y, sobre todo, fácil de sentir.

Y ese es uno de sus secretos: la melodía se queda, pero lo que atrapa es la sensación de verdad. Por eso se volvió una canción “de regreso”: uno la escucha y vuelve mentalmente a otra época.

¿Qué tan famosa fue “Dame tu amor”?

No se encuentran cifras públicas verificables de ventas o rankings setenteros, pero, hay señales claras de su peso cultural:

• Se mantiene como una de las canciones más asociadas a Boddega en catálogos y registros discográficos.
• Sigue circulando con fuerza en la memoria popular y en plataformas digitales, lo que muestra permanencia, no solo nostalgia.

En resumen: más que un “puesto” en un chart, “Dame tu amor” ganó algo más valioso: permanecer.

Curiosidades sobre Boddega y “Dame tu amor”

1) La época del repertorio propio era un reto (y Boddega se atrevió)
En los setenta, grabar canciones inéditas en Ecuador no era simple. Muchas agrupaciones sobrevivían con covers, pero Boddega apostó por temas propios. En recuentos históricos se menciona incluso que el grupo llegó a manejar un repertorio mayoritariamente inédito, un gesto que lo convirtió en referente musical de su generación.

2) La doble “DD” no fue un error tipográfico
Se repite en memorias del grupo que la doble D fue una decisión consciente: diferenciarse y construir identidad. Según se dice, estuvo vinculada a una decisión del entorno creativo liderado por Miguel Gallardo.

3) Rompieron el esquema de los escenarios tradicionales
Otro dato interesante que se recuerda de Boddega es que fue de los primeros grupos de música moderna en romper el esquema de tocar únicamente en ciertos espacios. Su presencia en escenarios donde antes predominaban otros géneros fue vista como un cambio cultural: una señal de que la música moderna ecuatoriana también convocaba multitudes.

4) Huellas fuera del país
En relatos de trayectoria se menciona una gira a Nueva York en los años setenta y reuniones posteriores en la misma ciudad, especialmente en fechas vinculadas a celebraciones de comunidad ecuatoriana.

5) Reconocimiento y masividad
También se señala que realizaron numerosas presentaciones a nivel nacional y que recibieron reconocimientos otorgados por la prensa especializada de la época.

Una banda, muchas vidas

Etapa fundadora (alrededor de 1971)

• Miguel Gallardo (percusión/guitarra en etapas previas; figura organizadora en relanzamientos)
• Homero Gallardo (teclados)
• Enrique Alín (bajo, etapa temprana)
• Gelo Cárdenas (voz/guitarra en etapa clásica, según recuentos)
• Gustavo Pacheco (guitarra; compositor asociado a temas clave)
• Jorge Terán (batería)

¿Qué es de ellos hoy?

• Varios integrantes fundadores siguieron caminos profesionales y están retirados de la música activa.
• Miguel Gallardo continuó vinculado al rock formando Maddera con familiares.
• Gustavo Pacheco ha mantenido una presencia pública sostenida como guitarrista y director musical en etapas posteriores del recuerdo.

Miembros y cambios en los años 70 y etapas posteriores

Como muchas bandas emblemáticas, Boddega tuvo cambios en su alineación a lo largo de los setenta y en reuniones posteriores. En recuentos por etapas aparecen nombres como:

• Roberto Jijón (bajo, en una etapa posterior)
• Enrique Navarro (voz, en etapa de mediados de la década)
• Francisco Andrade (“Carioca”) (voz, citado en listados de etapa setentera y vinculado también a relanzamientos posteriores)

Canciones más famosas de Boddega (además de “Dame tu amor”)

Para entender su huella, se recuerdan especialmente:

• El hombre sin cabeza
• En tu corazón tengo un lugar
• Tú tienes la culpa
• El mundo gira
• Los problemas de mi corazón

Hay canciones que se convierten en parte del país sin pedir permiso. “Dame tu amor” es una de ellas: una melodía que sigue viva porque guarda la emoción intacta, como si 1973 fuera ayer.

Y quizá esa es la verdadera huella: cuando una canción logra atravesar generaciones, deja de pertenecer solo a un grupo… y se vuelve parte de todos.

Reportaje Huellas Musicales

Haz karaoke con Boddega

Escucha la canción original “Dame tu amor” y canta junto a la letra que te dejamos justo abajo. ¡Anímate a disfrutar!

Si me das tu amor
Yo seré feliz
Y también lo serás tu
Piensa un poco en mi no me hagas sufrir
Que sin ti, yo moriré

Oh no, no
No me dejes así, tu tienes bondad
Oh no, no
Que será de mi, si no es realidad

Ya no se que hacer, pienso mucho en ti
Sólo me, falta tu amor
Me quieres también, yo lo sé muy bien
Sólo quieres, que sufra yo

Oh no, no
Que será de mi si no es realidad
Oh no, no
No me dejes así tu tienes bondad

Si me das tu amor
Yo seré feliz
Y también lo serás tú
Piensa un poco en mi
No me hagas sufrir
Que sin ti yo moriré

Oh no, no
No me dejes así tu tienes bondad
Oh no, no
Que sera de mi si no es realidad

La entrada “Dame tu amor”: la nostalgia setentera de Boddega que aún emociona se publicó primero en ECURAICES - La actualidad de Ecuador a un click.

Datos esenciales

Paulina de las Mercedes Tamayo Cevallos nació el 14 de abril de 1965, en Quito, en el seno de una familia profundamente ligada al arte y la música. Desde niña mostró un talento excepcional que pronto la llevaría a convertirse en una figura central de la cultura ecuatoriana.

Su carrera estuvo marcada por la interpretación magistral de los géneros más representativos del país: pasillo, albazo, pasacalle y sanjuanito, estilos que interpretó con sentimiento, fuerza y una elegancia inconfundible.

Paulina Tamayo falleció el 21 de octubre de 2025, a los 60 años, dejando un legado que trasciende generaciones y consolidándola como una de las voces más queridas y respetadas del Ecuador.

Orígenes y formación artística

Desde temprana edad, Paulina Tamayo mostró un talento precoz. A los cinco años ganó un concurso de Radio Éxito que la tituló “Artista Profesional”, dando inicio a una carrera que crecería con tiempo y consistencia.

A los siete años ingresó a la compañía teatral de Ernesto Albán (Don Evaristo), donde desarrolló su arte escénico y aprendió disciplina interpretativa durante más de una década.

Su madre, María Luisa Cevallos Paladines, compuso sus primeras canciones — Imploración de amor, Fe perdida y Callecita de amor — que ella interpretó y convirtió en sus primeras huellas sonoras.

Desarrollo artístico y trayectoria profesional

Grabaciones y legado discográfico

A lo largo de su carrera, Paulina Tamayo grabó más de 15 álbumes, convirtiéndose en una de las intérpretes más queridas del país.
Entre sus producciones más recordadas se encuentran Inimitable, 4 Décadas de Canto Apasionado y A lo Grande con la Grande.

Su repertorio se distinguió por mantener vivo el espíritu de la música tradicional, actualizando su sonido sin perder autenticidad. Esta fusión entre lo clásico y lo moderno le permitió conectar con distintas generaciones.

Escenarios nacionales e internacionales

Paulina llevó la música ecuatoriana a escenarios de Estados Unidos, Canadá, México, Perú, Colombia, Argentina y Europa.

En 2016, alcanzó un logro histórico: se convirtió en la primera mujer ecuatoriana en llenar el Coliseo General Rumiñahui de Quito, reafirmando su lugar en la historia de la música nacional.

Imagen, ética y estilo

Siempre cuidó su presentación: estética sobria, mensaje claro. Rechazaba el sensacionalismo en sus shows, defendiendo que el folclore exige respeto. En una frase que quedó en el imaginario declaró:

“La música nacional no va con los escotes.”

Más allá de su voz, fue gestora, promotora cultural y una figura que entendió el arte como responsabilidad.

Reconocimientos y homenajes

Su trayectoria fue ampliamente reconocida a nivel nacional e internacional.
En 2017, la Asamblea Nacional del Ecuador le otorgó la Medalla “Dra. Matilde Hidalgo de Prócel” por sus 46 años de carrera artística y su aporte a la cultura del país.

A lo largo de su vida recibió numerosos homenajes, condecoraciones y tributos de instituciones públicas y privadas, consolidando su figura como ícono cultural ecuatoriano.

Fallecimiento, honras fúnebres y despedida pública

Paulina Tamayo falleció la madrugada del 21 de octubre de 2025, a los 60 años. Su equipo confirmó que la causa fue una insuficiencia respiratoria, según declaraciones de su mánager Karina Córdova.

Desde el anuncio de su partida, se organizó una ceremonia abierta al público:

• El velorio se llevó a cabo en el Teatro Nacional de la Casa de la Cultura, Quito, desde las 17:00 del 21 de octubre hasta las 10:00 del día siguiente.
• La misa de despedida se realizó en la Basílica del Voto Nacional, conforme al deseo expresado por la propia cantante.
• Luego del servicio, sus restos fueron trasladados en un acto más íntimo al lugar donde fueron enterrados.

Durante estos actos, cientos de personas hicieron fila para despedirse. El ambiente era solemne: música nacional, flores, recuerdos y emoción colectiva.

Legado transformador y su huella en la cultura

Paulina Tamayo trascendió lo artístico; se convirtió en símbolo cultural. Su vida inspira por varios motivos:

• Identidad musical: Fue una defensora de nuestros géneros tradicionales, dándoles presencia contemporánea.
• Puente generacional: Reunió en su voz a los mayores que la vivieron y a los jóvenes que la descubrieron.
• Embajadora del Ecuador: Llevó nuestra música a otras tierras, construyendo puentes culturales.
• Ejemplo de dignidad artística: Su disciplina, coherencia y respeto al folclore son lecciones para nuevas generaciones.

Su canto, su forma de estar y su compromiso con lo nacional quedarán como herencia viva.

Últimos años, obra póstuma y despedida

En sus últimos años, Paulina continuó activa y planificaba la publicación de un disco inédito, que se espera sea presentado de manera póstuma.

Su fallecimiento, el 21 de octubre de 2025, generó conmoción nacional y múltiples homenajes en medios, instituciones culturales y redes sociales.

Importancia para la cultura ecuatoriana

La vida de Paulina Tamayo demuestra que el arte puede ser una forma de identidad y resistencia cultural.
Su compromiso con la música nacional la convirtió en embajadora de la tradición ecuatoriana y símbolo de autenticidad artística.

Desde ECURAICES, rendimos homenaje a su voz, su talento y su legado, que seguirán inspirando a las nuevas generaciones de artistas.

Paulina Tamayo, “La Grande del Ecuador”, no fue solo una cantante destacada: fue un pilar de la cultura musical ecuatoriana. Su vida estuvo marcada por talento, ética y pasión por la patria.

Su voz seguirá resonando en quienes crecieron escuchando sus pasillos y sanjuanitos, recordándonos que el arte auténtico nunca muere.

La entrada Paulina Tamayo: trayectoria, vida y legado de “La Grande del Ecuador” se publicó primero en ECURAICES - La actualidad de Ecuador a un click.

Inicios y formación

Desde sus años escolares, Mike Albornoz destacó con influencias de rock clásico, versionando bandas como Queen, Elton John o The Rolling Stones, cuando formó el grupo E.A.S.Y. Estuvo cerca de la escena musical pulsante del rock latino-pop que creció en Ecuador en los 80, en medio de bandas emergentes y el auge de nuevos públicos y medios.

Estudió Periodismo en la Universidad Laica Vicente Rocafuerte de Guayaquil. Además de su música, también fue modelo en la boutique D’Lazo, participando como “pintero” con looks llamativos que reflejaban su carácter creativo y poco convencional.

Trayectoria y contribuciones musicales

Mike Albornoz fue pionero del rock latino-pop en Guayaquil. Se le reconoce por retomar géneros más tradicionales, como el pasillo, a través de versiones como “Sombras”, acercando lo neotradicional a nuevas audiencias. Además, participó como jurado y padrino en realities musicales como Apnea del Sueño, impulsando a artistas emergentes.

Sus canciones más icónicas incluyen:

• San Viernes (1987)
• Un balde de agua fría
• Tus besos
• Mi perfecta manera de amar
• No puedo olvidarte
• Sombras – versión innovadora del pasillo tradicional ecuatoriano.

Discografía y proyectos destacados

Entre sus álbumes de estudio más importantes destacan:

• Maik en terapia intensiva opera y locura (1997)
• Nostradamus (2003)
• Prefiero sólo que mal acompañado (2006)
• La vuelta al mundo en 80 días (2011)

No se limitó a repetir fórmulas: su versión del pasillo tradicional “Sombras” incorporó instrumentos nacionales y arreglos modernos, mientras que los videos musicales fueron grabados en locaciones significativas, como el cementerio de Guayaquil, aportando dimensión visual a la música tradicional.

Faceta escénica y teatral

Participó en producciones de teatro musical como Cats, El mago de Oz y La Bella y la Bestia, interviniendo en arreglos y producción, demostrando su versatilidad y capacidad para transitar entre música popular, espectáculos visuales y teatro.

Legado y reconocimiento

Mike Albornoz fue un referente clave del rock-pop ecuatoriano en español, abriendo espacios para que artistas locales innovaran con identidad. Sus canciones siguen vivas en radios, redes y homenajes, evocando nostalgia y emoción. Además, promovió nuevos talentos mediante realities musicales y apoyo directo a jóvenes artistas.

Vida personal y fallecimiento

Mike Albornoz falleció el sábado 13 de septiembre de 2025 en Guayaquil a los 60 años. Sus restos fueron velados en la Sala Descanso 4 de la Junta de Beneficencia de Guayaquil. La misa de cuerpo presente se celebró el domingo 14 de septiembre, y el sepelio fue en el Cementerio General de Guayaquil. Estuvo varios días en la UCI, aunque las causas exactas de su fallecimiento aún no han sido confirmadas públicamente.

Su último show tuvo lugar el 29 de julio de 2025, durante un evento de celebración de los 15 años de actividad de la diseñadora María del Mar Proaño. Al momento de su muerte, se encontraba preparando presentaciones futuras, una de ellas programada para octubre.

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Pepe Parra: la voz que narró a Guayaquil

José Francisco Parra del Pino, conocido como Pepe Parra, nació en Guayaquil el 20 de noviembre de 1945. Desde joven mostró una fuerte inclinación por el arte y el espectáculo. Su carrera despegó en los años 60 como cantante principal del grupo Los Dragones, donde fue apodado “el Rey del Twist” y con quienes ganó el Premio Huancavilca, uno de los máximos galardones musicales del país en aquella época.

Su talento vocal y carisma escénico lo llevaron a consolidarse como solista durante las décadas de 1970 y 1980, grabando más de 20 sencillos y al menos cinco álbumes de larga duración. Supo moverse con soltura entre distintos géneros: desde pasillos y boleros, hasta música tropical y baladas. Discos como Pepe Parra y sus éxitos o El último bolero son muestra de su versatilidad musical.

Parra también se convirtió en un rostro querido de la televisión nacional. Fue presentador de espacios emblemáticos como «El Clan del 4», producido por Alfonso Lasso, y más tarde, conductor del popular programa “La Discoteca del 10”, que marcó una etapa importante en la difusión de música tropical en la pantalla ecuatoriana.

Una familia de artistas

Pepe Parra formó una familia profundamente ligada al arte y la música. Su primera esposa fue María de los Ángeles Montalvo, conocida como Cachita, con quien tuvo cuatro hijos: Adriana, José Daniel, Danilo y Viviana (La Vivi Parra). Todos ellos siguieron el camino artístico, consolidando lo que se conoce como el Clan Parra.

Danilo Parra ha desarrollado una carrera como cantautor de pop y balada, mientras que Vivi Parra es reconocida como una de las voces femeninas destacadas de la música tropical y romántica del país. Pepe Parra compartió escenario con ellos en varias ocasiones, grabando incluso un bolero clásico junto a su hija. Esta conexión intergeneracional ha contribuido a mantener viva su herencia artística.

Pepe Parra falleció el 24 de noviembre de 2019, a los 74 años, dejando un legado artístico que sigue presente en la cultura ecuatoriana, especialmente en su ciudad natal, Guayaquil.

Guayaquil 70: la canción que capturó una ciudad

Lanzada en 1970 bajo el sello discográfico IFESA, Guayaquil 70 fue editada como un vinilo de 45 RPM. La producción musical y los arreglos estuvieron a cargo del talentoso músico Héctor “Manito” Bonilla, quien imprimió un sello moderno al tema.

La canción sugiere una mezcla de ritmos tradicionales costeños con influencias contemporáneas del rock clásico, lo cual era inusual e innovador para la época. Esta fusión le dio al tema un carácter distintivo y una sonoridad que conectó con el espíritu urbano de los años 70.

La letra describe lugares icónicos de la ciudad como el Malecón, el río Guayas y barrios tradicionales, así como el carácter trabajador y alegre de su gente. Con una narrativa sencilla y emotiva, Guayaquil 70 logró retratar una ciudad en transformación, convirtiéndose en un reflejo musical de su identidad cultural.

Un legado que se renueva

Aunque con el paso de los años Guayaquil 70 perdió presencia en la radio y medios tradicionales, nunca desapareció de la memoria colectiva. A partir de 2020, el tema ha resurgido gracias a publicaciones en redes sociales, archivos sonoros digitalizados y reediciones compartidas por coleccionistas.

El vinilo original, con su diseño característico y el sonido cálido de época, ha sido subido a plataformas como YouTube y Spotify, permitiendo que nuevas generaciones redescubran esta joya del repertorio nacional.

En Huellas Musicales, celebramos los 490 años de fundación de Guayaquil rindiendo homenaje a esta canción que une pasado y presente. Guayaquil 70 no solo evoca una época, sino que sigue viva como símbolo del orgullo musical de una ciudad que late con historia.

Reportaje Huellas Musicales

Haz karaoke con Pepe Parra

Escucha la canción original “Guayaquil 70” y canta junto a la letra que te dejamos justo abajo. ¡Anímate a disfrutar!

Oh Guayaquil, ciudad hermosa,
alegre, cariñosa, histórica y gloriosa
que me vio nacer.

Quiero escuchar entre tus calles
el alegre canto
y sentir tu manto
que me da calor.

Oh Guayaquil, bellas muchachas
que por la Rotonda
o por 9 de Octubre
salen a pasear.

Y al escuchar esos piropos
de aquellos muchachos
sanos y baratos
quieren sonreír.

Mi Guayaquil, ciudad hermosa,
te canto así
con todo el corazón.

Oh Guayaquil, años 70
revolucionarios,
es tu centenario
de libertad.

Qué lindo es ver
el río Guayas, Estero Salado
y grandes edificios
desde el mirador.

Yo soy feliz
entre tu gente,
tierra caliente,
pedazo de Ecuador.

(Repite)
Oh Guayaquil, años 70
revolucionarios,
es tu centenario
de libertad.

Qué lindo es ver
el río Guayas, Estero Salado
y grandes edificios
desde el mirador.

Yo soy feliz
entre tu gente,
tierra caliente,
pedazo de Ecuador.

Yo soy feliz en Guayaquil.

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Sobre “El Aguacate”

Composición y estilo

Se trata de un pasillo ecuatoriano clásico, compuesto por César Guerrero Tamayo, músico y poeta nacido en Loja en 1901. La canción fue escrita en la década de los años 30, aunque su fecha exacta de composición no está del todo documentada.

La letra de “El Aguacate” nace de una experiencia personal del compositor, marcada por la pérdida de su esposa. Es un canto al amor que duele y permanece, expresado con una sensibilidad poética profunda, propia del pasillo tradicional. Su estructura melódica es suave, con un ritmo pausado y nostálgico, elementos característicos del género.

La canción ha sido interpretada también por figuras como Julio Jaramillo, Juan Fernando Velasco y el dúo Benítez‑Valencia, además de los Hermanos Miño Naranjo.

Relevancia cultural

“El Aguacate” es considerado uno de los himnos del pasillo ecuatoriano, tanto por su calidad musical como por su carga emocional. Ha sido incluido en listas de las canciones más representativas del país y se ha interpretado en eventos oficiales, festivales de música nacional y homenajes a la cultura ecuatoriana.

A pesar de no haber recibido, aún, premios internacionales, su relevancia simbólica la ha convertido en una de las piezas más respetadas y difundidas dentro del repertorio musical ecuatoriano. En Quito, el Museo del Pasillo cuenta con una cantina que lleva el nombre de “El Aguacate”, en homenaje a esta obra emblemática. En ese espacio se realizan presentaciones en vivo, encuentros culturales y actividades pedagógicas que buscan preservar la memoria musical del país.

¿Por qué se llama “El Aguacate”?

Aunque la letra de la canción no menciona el fruto, existen varias teorías sobre el origen de su peculiar nombre. A continuación, un resumen de las versiones más difundidas:

• Expresión colombiana: En Pasto, donde vivió el compositor, la frase “estar aguacatado” se usaba para referirse a alguien enamorado. Esta interpretación es una de las más aceptadas entre los musicólogos.
• Accidente anecdótico: En una reunión familiar en Cumbayá, una semilla de aguacate cayó sobre el piano mientras se interpretaba la melodía. A partir de este hecho curioso, surgió el nombre.
• Grito callejero: Según otra versión popular, el título proviene del grito de un vendedor ambulante de aguacates, que interrumpió un ensayo del compositor. La exclamación habría quedado asociada a la pieza.
• Reunión bajo un árbol de aguacate: En un encuentro entre amigos, bajo la sombra de este árbol, se sugirió llamarla así en honor al entorno en el que nació la inspiración.
• Metáfora emocional: Algunos estudiosos sugieren que el aguacate representa simbólicamente el amor y el dolor: una cáscara dura que encierra una pulpa suave, como el corazón humano frente a la pérdida.

Aunque no existe una única versión confirmada, todas estas explicaciones aportan riqueza cultural al pasillo, reforzando su lugar como una de las obras más queridas de la música ecuatoriana.

Sobre Eduardo Miño Naranjo

Biografía

Nació en Ambato el 17 de diciembre de 1937. Formaba junto a su hermano Danilo el renombrado dúo Hermanos Miño Naranjo, fundado en 1958.
Provenientes de una familia de 14 hermanos, solo ellos dos se dedicaron profesionalmente a la música, pese a la oposición inicial de su padre, Ernesto Miño —político ambateño y creador de la Fiesta de la Fruta y de las Flores—, mientras que su madre, Alicia Naranjo, los apoyó desde el inicio.

Trayectoria y logros

Debutaron tras ganar un concurso en Radio Tarqui y su primera gran actuación fue en el coliseo Julio César Hidalgo, Quito, en 1958, con el apoyo de Miguel Aceves Mejía.
En 1964 participaron en la II Feria de la Canción Iberoamericana (Barcelona), con “Tú y yo”, obteniendo cuatro medallas de oro, y posteriormente fueron premiados en México, Japón y Moscú.
Su versatilidad abarcó géneros como pasillos, albazos, yaravíes, boleros, sanjuanitos, zambas y fox incaicos.

Carisma y legado

Eduardo se distinguía por su alegría en escena: “No solamente es cantar, sino transmitir alegría para que la música entre […] directo al corazón”, relató él mismo.

Incluso en sus últimos años siguió activo, con presentaciones confirmadas hasta mayo de 2025 en el Teatro Nacional de la Casa de la Cultura de Quito, junto a la peruana Eva Ayllón.

Reconocimientos

A lo largo de su trayectoria artística, los Hermanos Miño Naranjo recibieron más de 40 premios nacionales e internacionales, entre los que destacan:

• Cuatro medallas de oro en la Feria de la Canción Iberoamericana de Barcelona en 1964, con la canción “Tú y yo”.
• Reconocimientos especiales en México, Japón, Moscú, Colombia y Perú.
• Condecoraciones al mérito artístico por parte del Estado ecuatoriano y de instituciones culturales.

Su legado ha sido fundamental para la difusión del pasillo ecuatoriano dentro y fuera del país, consolidándolos como referentes históricos de la música nacional.

Fallecimiento y despedida

Fallecimiento

Eduardo Miño Naranjo falleció el 12 de junio de 2025 en Cayambe, donde residía, a los 87 años.
El funeral se realizó en Cayambe; la información fue confirmada por sus familiares, incluido su hermano Danilo.

Reconocimientos y legado

Tras su partida, se expresó luto nacional, destacando su contribución al pasillo ecuatoriano y su larga trayectoria de más de seis décadas en destacados medios como El Comercio, Ecuavisa y El Telégrafo.

La Sociedad de Artistas Intérpretes y Músicos Ejecutantes del Ecuador, entre otros, rindió homenaje a este embajador de la música nacional.

Reportaje Huellas Musicales

Haz karaoke con Los Hnos. Miño Naranjo

Escucha la canción original “El aguacate” y canta junto a la letra que te dejamos justo abajo. ¡Anímate a disfrutar!

Tú eres mi amor
Mi dicha y mi tesoro
Mi solo encanto y mi ilusión
Ven a calmar mis males
Mujer, no seas tan inconstante
No olvides al que sufre y llora por tu pasión
Ven a calmar mis males
Mujer, no seas tan inconstante
No olvides al que sufre y llora por tu pasión

Yo te daré mi amor, mi fe
Todas mis ilusiones tuyas son
Pero tú no olvidarás al infeliz que te adoró
Al pobre ser que un día fue tu encanto
Tu mayor anhelo y tu ilusión

Yo te daré mi amor, mi fe
Todas mis ilusiones tuyas son
Pero tú no olvidarás al infeliz que te adoró
Al pobre ser que un día fue tu encanto
Tu mayor anhelo y tu ilusión

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De Seúl a Ecuador: los orígenes de Jinsop

Nació en Seúl, Corea del Sur, el 24 de junio de 1955, poco después de la guerra entre las dos Coreas. Fue hijo de Fred O’dirling, diplomático estadounidense que luego trabajó como ingeniero eléctrico en la NASA, y de Myomghui Ho, una mujer coreana. Durante su infancia en Corea, Jinsop sufrió discriminación por ser mestizo, lo que marcó profundamente su carácter.

Posteriormente, la familia vivió un tiempo en Estados Unidos, hasta que el trabajo de su padre los llevó a establecerse en Quito, Ecuador, cuando Jinsop tenía apenas 15 años. Aunque sus padres regresaron luego a EE.UU., él decidió quedarse: le gustó el país y se adaptó rápidamente a su nueva vida. Estudió en la Academia Cotopaxi y en el Colegio Anderson, donde conoció a su esposa Silvia Jarrín, quien le enseñó español usando libros escolares de nivel básico. Con ella tuvo tres hijos: Jinsop Junior, Alexander y David.

Inicios en la música: de Las Hormigas a Los Apóstoles

Aunque al principio no hablaba español, Jinsop aprendió a cantar en el idioma antes de poder sostener una conversación fluida. En 1972, junto a su madre, organizó un festival musical en el que participó como vocalista del grupo Las Hormigas. A pesar de ganar el premio del evento, una controversia estalló porque el público prefería a la banda Los Apóstoles, en la que tocaba el entonces popular Héctor Napolitano. El conflicto terminó con disturbios, quema de la tarima y, poco después, con la detención de Jinsop. Finalmente, los organizadores otorgaron el premio también a Los Apóstoles.

Paradójicamente, Jinsop terminaría integrando esa misma banda, con la cual comenzó a hacerse notar en los escenarios de Guayaquil. Poco después, el productor Gustavo Pacheco lo llevó al sello discográfico Ifesa, donde grabó versiones de Paul Anka, entre otros artistas, y lanzó su primer sencillo “Puppy Love”, que escaló rápidamente en las listas radiales. Así inició su carrera como solista.

“Ven chiquilla, ven”: la canción que lo inmortalizó

En 1973, con apenas 18 años, Jinsop grabó su tema más recordado: “Ven chiquilla, ven”, una balada pop romántica compuesta por Gustavo Pacheco y acompañada por la orquesta de Héctor Bonilla. La canción fue incluida en el álbum Mi Oración y logró ventas extraordinarias para la época: más de 200 mil copias en formato 45 RPM.

Curiosidades del tema:

• Se convirtió en su primer gran éxito nacional, sonando en radios de todo el país.
• Mezclaba el pop juvenil con una interpretación emotiva que encantó a una generación.
• A pesar de su acento extranjero, o quizás gracias a él, la voz de Jinsop transmitía una autenticidad conmovedora.
• La canción aún es recordada y cantada como uno de los himnos románticos de los años 70 en Ecuador.

Últimos años y legado

Jinsop se mantuvo activo en la música durante varias décadas, participando en eventos nostálgicos y explorando distintos géneros. Poco antes de su muerte, planeaba una gira por Estados Unidos junto a otros artistas como Boddega y Silvana, bajo el nombre “La Noche del Recuerdo”. La gira, organizada por Gustavo Pacheco, incluía presentaciones en Nueva York, Los Ángeles, Washington y Chicago.

Tres meses antes de su fallecimiento, se había trasladado a Ayangue, en la provincia de Santa Elena, buscando mejorar su salud respiratoria. Sin embargo, el domingo 24 de junio de 2012, el mismo día de su cumpleaños número 57, fue hallado sin vida en su domicilio. La causa fue un paro cardiorrespiratorio. A las 03:50 a.m. de ese día, su amigo Arturo Cisneros recibió una llamada perdida suya. Horas después, su hijo Alexander lo encontró sin signos vitales tras regresar de hacer compras.

El cantante fue sepultado el martes 26 de junio en el Cementerio General de Guayaquil. Su partida causó gran pesar entre sus seguidores, y en su velorio, más de 200 personas se reunieron para cantar sus canciones como homenaje.

Entre sus temas más recordados se encuentran “Ven chiquilla, ven”, “Campos verdes”, “Enciende mi corazón”, “Mi oración” y “Estrellita solitaria”, todos parte del legado musical que dejó como uno de los artistas más entrañables de Ecuador.

Un homenaje necesario

A más de una década de su partida, Jinsop sigue siendo símbolo de integración, talento y sensibilidad. Su historia es única: la de un joven coreano que encontró en el Ecuador una patria y una audiencia que lo amó incondicionalmente.

Desde Huellas Musicales de ECURAICES, lo recordamos como el artista que nos enseñó que la música no necesita traducción cuando se canta con el corazón.

Reportaje Huellas Musicales

Haz karaoke con Jinsop

Escucha la canción original “Ven chiquilla, ven” y canta junto a la letra que te dejamos justo abajo. ¡Anímate a disfrutar!

En una mañana muy fresca y serena
Pasó al pie de mi ventana
Una linda chica muy dulce y sencilla
Que vino a inquietar mi alma

Ven chiquilla ven
Regresa por mi ventana
Que si tú no pasas moriré

En una mañana muy fresca y serena
Pasó al pie de mi ventana
Una linda chica muy dulce y sencilla
Que vino a inquietar mi alma

Ven chiquilla ven
Regresa por mi ventana
Que si tu no pasas moriré

Me siento tan solo
Si amanece el dia y no te veo pasar
A cada momento sólo en ti pienso
Ya no puedo aguantar
Apenas te he visto
Y vivo enamorado
Y sin tu amor no viviré

En una mañana muy fresca y serena
Pasó al pie de mi ventana
Una linda chica muy dulce y sencilla
Que vino a inquietar mi alma

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El ascenso de “Quisiera”

“Quisiera” se convirtió rápidamente en una de las canciones más populares entre el público joven ecuatoriano. La canción alcanzó el primer lugar en los rankings nacionales durante casi cinco semanas consecutivas y se posicionó en el puesto 15 del ranking latinoamericano de la cadena HTV. Su videoclip, producido en Colombia y grabado completamente en formato digital —una novedad para la época—, fue número uno en la televisión ecuatoriana durante varias semanas.

El éxito del tema impulsó las ventas del álbum debut homónimo de Kiruba, lanzado en mayo de 2003, que superó las 15.000 copias vendidas y fue galardonado con triple disco de platino. Este logro consolidó a Kiruba como una de las agrupaciones más influyentes del pop ecuatoriano.

Más allá de la música

El impacto de Kiruba trascendió los escenarios. La Kirubamanía se reflejó en campañas publicitarias con marcas como Wellapon de Wella, BellSouth y Lee Jeans, esta última lanzando una línea de ropa inspirada en el estilo del grupo. Sin embargo, en 2004, diferencias internas y dificultades en la promoción llevaron a su disolución.

Reencuentros y Legado

A lo largo de los años, Kiruba protagonizó varios reencuentros. En 2008 regresaron como Hada 4, sin la participación de Gabriela Villalba. En 2017, las cinco integrantes originales se reunieron y lanzaron el sencillo “Se Me Fue” junto a Magic Juan, que alcanzó el primer lugar en las listas nacionales.

El 11 de julio de 2024, Kiruba celebró dos décadas de trayectoria con el concierto “Te llevo en mí” en el Teatro San Gabriel de Quito. Fue un emotivo reencuentro con sus fans, en el que interpretaron clásicos como “Quisiera”, “Camina” y “Se Me Fue”.

Las integrantes fuera de Kiruba

• María José Blum: guayaquileña, incursionó en la actuación tras la disolución del grupo, participando en musicales como Enredos entre dos y series de televisión como El Cholito y La pareja feliz. En 2005 lanzó un disco como solista y, posteriormente, abrió su propia tienda de perfumes en 2007.
• Diana Rueda: quiteña, se dedicó a las artes plásticas, presentando sus obras en galerías de su ciudad. Fundó una marca de muñecos tejidos con la técnica japonesa del amigurumi y, en 2013, lanzó su disco titulado Del Otro Lado.
• Mariela Nazareno: oriunda de Esmeraldas, fundó la banda de rock folclórico Tinticos. Se desenvolvió como reportera de farándula y conductora en programas de televisión nacional, participó en realities como Escuela de famosos, actuó en obras de teatro y actualmente es profesora en una academia de artes en Quito.
• Gabriela Villalba: quiteña, protagonizó la telenovela juvenil colombiana Al ritmo de tu corazón y lanzó el disco Todo Bien en 2006. Luego se unió a la banda chilena Kudai, con la que residió en México hasta su separación en 2010. Ha lanzado canciones como Psycho, París y Saudade, y participa activamente en campañas de concienciación contra los desórdenes alimenticios juveniles.
• Cecilia Calle: nacida en Guayaquil, trabajó como presentadora en espacios como En Corto y Conectados. Fundó su academia de baile, se posicionó como bloguera de moda y estilo, y fue copresentadora de programas matutinos como Entretenidas y El Club de la Mañana. En la actualidad, reside en Miami junto a su familia, alejada de los medios.

Kiruba no solo marcó una época para la música hecha en Ecuador, sino que también abrió camino a nuevas generaciones de artistas femeninas. Su legado perdura, recordándonos que la música tiene el poder de unir, emocionar y trascender.

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